【雕塑、绘画和建筑的一些想法】（笔记）
代达罗斯迷宫，这个对人的意识的定义是充满了神话色彩的。作者认为，有必要再进入这个意识迷宫之前，提前对人类思维的定式进行了解，并预备好思维导图一类的导向工具。这类工具的在亚里士多德的逻辑一书中已有提出。而根据人的前语言，内部绘图变得格外重要。
内部图像是我们的意识中对于世界认知的重要组成部分，我们用它定义一件事情，并作出相应的行为和决策。
不仅仅是在艺术家进行创作的时候，在我们日常对任何抽象的事物进行理解的同时，这种图像式思维都存在。而这种内部表述也被人们利用物质的工具描绘出来。这是人类智力的体现，且对有不同的人，具有不同的清晰度和理解程度。
但是，如果想把这样哲学或心理学范围的定义运用于更广泛的学科，需要对其进行完善，并在更广泛的情况下使内部图像理论贴合于生活。
在不同的学科中，甚至于自然学科中，也存在有关内部图像的理论，但都有不同的名词定义。所以在这里，作者的专业领域内将其定义为“绘图”
绘画既不是物质，也不是身体，也不是任何物质的财产，而是一种形式，一种想法，一种秩序，一种规则或智力的对象，其中表达了理解的事物。 所有这一切都包含在所有外在的东西，无论是神圣的还是人类的。
内心的绘画通常是智力中的一种想法和形式，通过它的目标和对象来表示一种表达和明确理解的东西。 为了更好地理解这个定义，应该指出的是，有两种类型的活动：第一，外部，如绘图，绘图，成型，其次，内部，如理解，欲望。 因此，所有外部活动都必须有一个目的。.. 这也是必要的内部活动应该有一个目标，以便它可以成为完整和完善。 这样的目标只不过是一个理解的东西。
在我们对一件外部事物进行认知的时候，我们会在脑海中构建一个图像，而这个图像会赋予这一类的事物定义。因此我们从这个图像所看到的不仅仅是单独的个体，而是广泛物质世界的一类事物。在建立某一类内部图像之后，我们还需要对其进行完善，让这类图像不仅仅是出现在脑海中，而是尽可能的符合我们的生活内容。而这，属于我们对于自然的再创造，我们常常运用这种再造的图像来装饰我们生活的场所。
这是我们的感官与自然界互动的方式。这个图像不仅是静态的，也有可能是动态的，是一系列的动作。但这仅仅是一种模糊的想法，充满了不确定性。而当这样的认知逐渐形成一个定式，则可以说这样的认知在思想中形成了规律，我们获得了对这一类事物的精确的知识。这样的思维模式从自然的形式，秩序和秩序出现，赋予人类经验的储备，让人类社会的文明逐渐丰富起来。
外部绘图只不过是清楚地表示没有身体实质的形式的轮廓：任何事物的简单轮廓，轮廓，测量和图形，虚或实;这样的绘图，通过线条形成和概述，是理想图像的模型和形式。 这意味着该线代表外部绘图的真实本质和可见物质，以任何方式组成。
通常意义上，我们认为直线或曲线起源于一个点，这是数学的定义。但是在物质世界，线仅仅是形成一种普遍性认知的工具。而线本身重要的是动态的形式。因为动态的线而描绘出了油画，或者是雕塑。
而这种动态线条的图像，或者其视觉认知的形成，通常被称为设计（绘图），因为其具有象征意义。且伴随着意志和智力在脑海内构建起一系列内容。
而在我们创造艺术作品这种意识的外部表达时，很显然，内部的意识和对世界的感触，这种前语言，是占据首要地位的。这也正是柏拉图提出的工匠与艺术家之间的区别。工匠仅仅只是重复同样的行为，而艺术家却能自发的构造出新的意识与其表达方式。
但我们每个人都有缺陷，所以并不完美，这也体现在我们的认知中。所以艺术家在创作时必须收集最好的素材，经过反复观察，而将其组合起来。
单从观察人类来看，我们身体的组成便有多重不同的特质。在古希腊人创造的雕塑中，普遍运用更好的人体比例来描绘“神”这一存在，且拥有一定自然科学的测算基础。
我们使用绘画的技法，模仿自然和人类思维所创造的所有产物，造成视觉和意识的冲击。而其所产生的艺术作品中，不仅仅只包含了外观，还包含了我们隐藏在这些外观下的情绪和认知。
绘画艺术并不是数学科学的基本开端，也没有必要诉诸它们来学习艺术的规则和某些技巧;即使是投机推理也不需要它们，因为绘画不是数学科学的女儿，而是自然和绘画的女儿。 第一个向她展示形式;第二个教她采取行动。 因此，画家，从他的前辈的第一个原则和指示后，或从自然本身，通过他自己的自然判断，勤奋和观察美丽和良好的，将成为一个有价值的人，没有任何帮助或需要数学科学。
自然有其独特的规律，也具体表现在生物的具体构造上，其范围包括人类本身。但如果仅用数学的方式来了解生活和我们所处的世界，是有问题的。
我们可以依据数学的方式来构建一个人体的形态，但是并不能从中得出什么收获。自然学科有一种机械化的性质，因此虽然我们不仅需要自然学科对于思维的辅助，还需要我们本身的意识不受理论的束缚。而绘画不仅需要良好的判断力，还需要良好的表达方式。人类不一定需要非常完美的比例，却要让人在感受艺术作品时体会到情绪的共鸣。我们要习惯我们所创造的自然学科中的工具，并熟练运用他们。但也要注意我们的认知，不要因被这些数字覆盖而消失。我们的创造性思维才是最重要的。
这些思想并不仅仅是丢勒单纯的将创造性的理论拎出来，让人感受自己意识的高度。而是体现了艺术家的一种精神活动方式，和创造艺术作品的方式。这体现出了一种对思维的管理能力。我们在观察前人留下的作品时，惊叹于其中存在的一些设计。这些图形的组合让这些作品看起来具有某种高超的意识形态，实际上却相反。我们不能仅仅局限于其形式，而是要有自己的判断性思维。对于基础的物质存在的分析是自然学科的内容，而艺术除了需要模仿和重构这些自然物质的形态之外，不需要刻意遵守自然的规则。

【有关艺术的一些想法】
艺术作品体现具体的社会思想，并包含一定的情感。随着科技发展，人们创作艺术作品的方式也不同。而这其中也包括环境和科技的变化，以及人们的认知方式。我们不能以现在的认知方式去复原古代的艺术，这样的作品并不能掌握古代艺术作品的精髓，仅仅是对其单纯的模仿。
但是艺术作品对社会群体的影响力和导向性却一直存在，这曾一度被遗忘。这是创作者赋予作品的情绪感染力。
某些具有时代意义的符号在特定情况下可以让不同时代的人产生相同的情绪。这也体现了我们认知中的共情，理解，和跨越时间的人类群体情绪共同特征。一些想要摆脱物质创作作品的艺术家，却忽略了这一点。（因为作品始终需要以物质的方式呈现）
唯物主义让人的情感变得单调，却促进了思想的进步，

【达芬奇笔记】（笔记）
达芬奇认为偷窃别人艺术作品的内容，是有害于作为艺术家的荣誉和荣耀的（我不知道他是不是特指拉斐尔），商业用途另算。艺术家可以取材的自然丰富多彩，而无法自创的人是被鄙视的。
失去创作的灵感让画作行业越来越低靡。艺术作品不是自然。他认为取材自自然的希腊和罗马艺术是丰富的。这些与自然互动的经验不仅丰富了艺术家本身的认知，也为行业带来了发展。
只研究画家不研究自然的人同样存在问题。艺术不能脱离自然。
一些绘画技术不够的画家，时常狂妄自大。他们被行业目前的情况懵逼了双眼，不知进步。
许多画作中的比例失去了和谐，这种情况应该避免。
对于教堂的壁画，要按照人眼的视觉体验来将画作的内容进行调整。利用视觉精确的观测点来分布画作内容。
与自然保持亲密，因而可以使艺术家在自然中发现更多的素材。这是模仿自然的天赋。
画家的作品并不是完全模仿自然，而是拥有自己的理念。这种理念也有可能是自然中从未存在的，是与自然存在本身的抗争。（例如永动机）
画家如果仅仅通过肉眼的观察来描绘事物，则他只是一面镜子，而不是真正的了解他所描绘的事物。
而画家的思想则应该像一面镜子，在画一件物品中拥有丰富的联想，是尽可能多的图像和丰富的颜色。而这种联想则影响画家的作品。如果绘画的技术不高，则没有办法描绘出眼睛所见的事物。而如果无法在精神上对一件事物再创作，则无法成为一个优秀的画家。在自然中的画家应该收集不同的素材，再将这些素材逐一添加到自己的脑海中。把不好的东西排除掉。
有一些画家狂妄自大，已经把联想的能力遗失了。这让他们变得轻浮且虚伪。
有一些人责备画家，他们让画家学习更多的东西。但实际上是在欺骗自己，这是愚蠢的。
达芬奇认为画家面对画作要充满爱，而不仅仅是爱，还要有荣誉感。丢失了荣誉感的画家是可耻的。而画作也因画家的荣誉感，更好的和画家联系在一起。
无知的画家没办法分辨所创作的作品好坏，在这样的画作中充满了多余的装饰物。绝妙的绘画技巧所完成的艺术品才能让画家本身在艺术行业里具有崇高地位。金钱并不能代表什么。
首先在图纸上清晰的画下自己脑海内的想法，然后逐步修改草稿图，然后再将人或物一一添置上去，并计算好画作中每一个细节的比例。利用透视法和其他艺术创作的理论来创造作品，这是让画家获得超高艺术技法的方式。
画作并不仅仅是肖像画，只会画头部不代表什么。画作的内容是人们与生活环境的互动。我们可以通过眼睛观测外界。但无法描绘所有画作内容，或是只有一个内容画的好的画家，同样是可悲的。物质世界存在许多美妙的事物，如何正确利用他们是一个出色的画家应该掌握的。
达芬奇认为出于对艺术的爱才能带来伟大的作品，而虚伪的爱则和胡乱画没什么区别。
画家必须要克服自己不擅长画的事物。而且只画一件事物是愚蠢且没有天赋的表现。
画家必须有学识，这样他的认知才能使他画出更好的作品。而认知能力高的画家一直不停的在修改作品。
但是当创作时，逻辑思维和感性思维相碰撞时，证明出现了问题。当画家的认知能力超过所需创作的作品时，可以判断这个画家必然会在这种条件下创作出优秀的作品。
画家要听取别人的意见，揣摩别人的观点和看法。因为每个人都会在观测外物时犯错。但是也要分辨出别人的观点带有什么态度，这种态度是否真的有利于画作的改进。
这种改进对画作的出版是有益的。因为艺术作品会作为物质持续存在，并影响画家本身。而过度注重财富并不能带来任何帮助。
当逻辑和感性结合起来创作作品时，画家则获取到更多的绘画技巧。
达芬奇认为人对金钱的欲望是人的低级需求，而不是人的精神需求。对人的教育也应该注重于培养他们的精神能力。
人善于在别人的作品里找到作品，而不是自己的。为了避免创作时犯错，要学好透视法。并且要保持适当的休息，避免审美疲劳。
达芬奇在观察物体时发现了分型的存在。而这种自然学科的知识让他爆发出了更多的兴趣。
很多画作用了相同的构图和动作，但画中人的脸看起来却不同。而取材自生活的画家，他们的作品更加灵动，也充满更多的技巧。
前语言同样存在于画家的认知中，人们会爱上与自己相似的人。
达芬奇的画作和他的生活作风一样，精确，细致，且丰富多彩。带有他自己的特性。
画家首先观察到自然产物是自己，但也需要运用对比的精确数据来确认自己物质存在的不足。再之后，通过观察外界来进行反复的验证。由此补充自己的认知，避免出现某种因观察不足而出现的错误。
画家需要收集一些精确度绘图数据（这有点像现代的一些工程专业），画家和从事其他行业的人交流，画家需要一个随时可以进行联想的灵敏思维模式，画家需要有立体的透视概念。并且画家要有丰富的对于物质世界的自然科学认知，并具有丰富的内在思想。如果画家找不到和他一样的人，那他自己可以成为一个团队。
专心于专业的工作必然使人的社交活动减少，而越是专业的人，其所在同一认知层面的人也越少。而如果像思考社会经验那样思考学科内在的功利，则会更糟。所以在专业领域的研究上，很多人都是孤独的。
团队合作比单独创作，更能带给人动力。画家们相互之间的比较和称赞，都会从正面和负面来激励画家的进步。画家可以从画作技术更好的人身上吸取经验。虚荣心也会让画家避免犯错。
艰苦的环境可以激发生存本能，而太过舒适的环境让人倦怠。

【随笔 - 一篇散文诗】
时光飞逝，我在北方的土地上矗立，
用轻柔的语言描绘着风的声音；
而我离开了故乡和可爱的人们。
我远赴异国；梦想在脑海中闪过，
那天空倒映着淘气的厄尔尼诺的笑脸。
我的猫，在漫长而严寒的季节里陪伴着我，
我与猫卷缩在小屋中，她的瞳孔
我在那里看到无数星辰在闪烁。
如你所见，夏日的太阳允诺我黑夜如昼
使我得以抛却时间的束缚而漫步。
这一年，我并非恐惧，只是惊叹，在我的人生中
曾这样度过，看，我虽被限于这一方土地，
疾病侵袭着人群，我们就像散落的花瓣，
因为在城市中彼此遥远的生存着，

【艺术知识和内部腐败 2020-02-25 纽约大学艺术系布鲁克林研究所研究人员讲座】
坚定市场混乱，比如伦勃朗画作鉴定，有一副是和他的弟子一起画的，因此没有此项画作的市场，某个研究伦勃朗画作的项目因此终止，而艺术领域的学术研究也再一次被证明艰难
因此，画作鉴定市场仅仅只有三个选项
1）是真迹
2）难以辨认
3）不是
再之外的其它选项都不被大众市场所承认，但也有例外，但例外仅仅是个例
在现今艺术家的家族仍旧掌握着艺术市场，比如当你拥有一副可能是毕加索的真迹，将由毕加索家族来鉴定，甚至市场价格（大部分市场原则）
大部分的画家及研究者没有出路，因为经济因素，所以没有人愿意成做这些工作，挣不到钱，也没有研究经费，不出名，甚至没有动力
唯一的不明的艺术市场出口-达芬奇：萨尔瓦托*蒙迪 本应在巴黎展出，但是出现了新的局面，因此达芬奇有4-8个不明确的出口
艺术鉴定市场的出口在于，选定作为此行业出口而有可能的艺术家
如果是艺术家的弟子临摹了画家的画作，我们如何鉴定？
从画作的个人风格鉴定，从年代，手的力度，包括画家的技巧来鉴定
因为艺术家大多只用一种手法技巧，而弟子却会混杂其他技巧
马提诺 洛伦佐 等，会用不同的手和耳朵来区别画作的作者
在心理学上从画作上可以看出人的心理面貌，作家在描写夏洛克福尔摩斯时同样提供了三个不同的书面方式来分析一个人的心理状态
卡尔*内勒斯提出的理论从各种物种上建立，从而创立了一个叫做“水牛草”的东西，用来比对其他植物
贝拉*非洛尼埃拉（达芬奇 1499）经常用来比对达芬奇的其他画作，1920年堪萨斯艺术博物馆将被出售时，DUVEEN兄弟很有名，他们被称为贝拉*非洛尼埃拉之父（因为不会有人相信堪萨斯州有一副达芬奇的真迹）
汉*范*米格伦与Emmaus这幅画（佛米尔他是一个不幸福的画家，他的基督故事图经常被认为不是他的画作）
党整个鉴定系统中出现一个赝品时，整个系统将会出问题，将会出现其他画作的赝品
而佛米尔的许多画作被美国政府以赝品的价值卖给了纳粹，因为鉴定人米格伦不承认这些事真迹
Provenance，即使是一副以假乱真的赝品也不能卖极高的价格，因为必须有清晰的收藏历史
而这些收藏历史则是历任收藏家的收据，或者说是前几任收藏家的照片（收集旧物件造假也有可能）
同一幅作品在正常光源，冷光和红色光谱下展示出不同的颜色，一般在冷光下就能分辨
XRF 一般是用来鉴定画作的机器，其内部结构和光谱需要熟悉
Elmyr de hory 的画作其中光谱分析成功，但根据年代，不可能是真迹
Gabor nemeth and his fake Jackson pollocks , 他声称作品来自艺术家的女朋友，但他也称自己是个间谍（电影 a spy talks），他是一个德国空军，因恋上犹太女友逃到英国，服务于英国空军，他的口音听起来既不像德国人，也不像俄国人，而是匈牙利人（他的故事很真），但是他gabor的顾客买了四副画之后发现别人也买了这位艺术家jackson的画作，但是这位艺术家只有20+副画，而人们开始怀疑他的收藏史（在他展示的购买记录信中，杰克森女友的名字不明），而他也承认这封信的主人Hirshkovitz根本不存在，而在这封信和这个赝品事件中，被伪造的不仅是画作，还有故事和证件，以及这个出售人本身的身份
Avant-gard 是俄罗斯艺术家，在美国艺术市场上受欢迎的作品，并且在E bay上同样流行
而这个俄罗斯艺术家在美国同样出现了许多赝品，而这些由e bay的造假案非常著名
Zhao wou-ki 在法国非常有名，在他去世后，作品在香港拍卖行高价出售，并且在e bay上低价出售，而引起人们的怀疑。而这位电商卖家同样出售其他的名家作品，而引起更大疑问，因此这些以假乱真的作品。但是电商同样有法国博物馆的假证明，这些假证明是用PS制成，因此在查阅历代标签时，出现了问题。并且在许多真迹被偷之后，一些电商也同样出售这一类的画作并标明是“真的”
如果你有专业仿造技术，你会得到更多的造假技术，然后你会进入真正的正品行业，进而得到更多的知识，并制作更多的赝品，创作更多的赝品知识（鉴定同样）
画作大的价格和名家的名字将会是鉴定行业的主要收入来源（高端服务行业） - 配备精密仪器与专业冷门知识
在鉴定机构应该提前支付费用，因为时常出现不同情况
1）画作是假的，所以顾客不想支付鉴定费
2）画作虽然是真的，但远远不值买来的价格和坚定的价格
5000美金对于一副赝品来说已经是上限，因此许多人已经止步在这个分界线，而再往上的赝品则需要更深入的对作品的专业知识了解。

【诗歌的艺术】（笔记）
诗人认为，诗歌应遵从古希腊诗歌的韵律。（像维吉尔的牧歌，便是遵从了古希腊诗歌的韵律，而莎士比亚的诗歌又参考了维吉尔的作品）。当诗歌发展到一定高度（通常指希腊诗歌已有的韵律和格式），如果诗歌作品不是一束从天而降的无形的光，那么这位诗人便没有才华，人才的稀缺是正常现象。像柏拉图所说的那样，诗歌应该充满激情、智慧，像荷马史诗那样充满悲情的色彩（当文本中充满悲剧的色彩，在某种方面可以说是鼓励人们向更好的层面看，而喜剧则是描绘比观众社会意识层面更低的人）。不要让诗歌缺少内容，要让诗歌充满韵律，诗歌的力量是让人恐惧的。当然，诗歌也不一定要遵守客观规律，不过诗歌要带着爱，让人感到幸福；诗人应该考虑诗歌内隐藏的思想和力量
即使不管诗歌的情节是什么，思想状态是否很高，又或者内容是否吸引人，其表达的含义应该与韵律一致，这两者之间时常出现矛盾。但韵律应该只是一个框架，创作者敏锐的头脑应该熟练运用框架，在内容和框架相互协调的过程中会出现许多让诗歌变差的情况。这种状态就像勒住了思想的脖子。
让诗歌变得充满才华的，是内容中的爱与深藏的思想。很多诗人创造出的诗歌没有意识，他们应该为此感到羞耻，诗人应该思考读者的思考方式。群众传颂诗歌的速度可以判断出诗歌的好坏
让不好的诗歌自然淘汰。诗歌在群众中传播就像在结冰的危险道路上滑行。我们应该记得诗歌不应该脱离生活，这是让我们的文明构筑的理性的规则而形成的唯一的道路。一个充满热情的诗人不能因为离开了某个情节就丧失激情。相反，他会让诗歌布满细节。当然这样的描述过多也会让诗歌变得呆滞，太多的细节对于诗歌来说也是负担。读者在阅读诗歌时应该有荣誉感，诗歌应该是从天堂带来的战利品。
诗歌的主旨内容不应该是丑陋的（这里又回到了亚里士多德叙述艺术作品的内容），内容可以简单，但应该带有一种贵族精神；内容充满智慧，或许带有新奇、讽刺，迷惑性与使命感。但内容并不庸俗，诗歌的内容具有强效的感染力。但市井生活的思想风格是有害的，真正的诗歌优雅而严谨，诗歌从开始的时候是杂乱的，但随着文学的进步，其充满了韵律、节奏和装饰。但是仍需要诗人自己发现技巧，探寻大师级杰作的规则。但这样的作品是少之又少的。
大师作品曾一度给了诗歌新的押韵形式和发展趋势，他们书写了新的诗歌规则。希腊罗马的诗歌因为诗人的傲慢而消失在历史中。接下来，法国的诗歌崛起，他们发现了诗歌中语言的力量和严谨的规则。优雅且流动的诗歌语言不再让耳朵受苦，也没有因为内容把诗歌的受众区分开。在今天，这样的诗歌仍是典范。诗歌内容的纯度和词汇的精准度。含糊不清的内容对诗歌的受众来说是煎熬。创作诗歌的人应让言语跟随思想，以表达一种情绪，清晰或者迷惑。但每一个词的用法都应是精确的。不管是什么样的诗歌，其所包含的重点是语言的思维逻辑，而不是词汇的堆积。最有价值的诗人其诗歌像先锋派作品，是用词汇表现蕴含在背后的思维。创作作品要脚踏实地，而不是单纯的吹嘘自己的能力。如果诗歌以粗略的形式表现出来，那不会显示作者的天赋，只会显示出不好的品味。诗人的作品需要反复修改很多次，不放过每一个细节。内容的删除和添加是常有的。
描写生活细节的田园诗的内容要符合生活内容，其简单而可爱，但不浮夸。这样的内容让受众觉得舒服，且押韵。而折中主义的诗歌却让人感觉到有不符合内容的杂质，这样的诗歌低俗、粗糙且缺乏美感。这让我们的耳朵收到了摧残。
在诗歌的内容与韵律之间的思考，一直持续着，完美的诗歌作品就像一份来自天上的礼物。这份礼物让我们持续研究，以至于如何避开创作的误区。让诗歌充满爱与色彩。
田园诗侧重于描绘生活的细节，虽不完美，但情感内容真挚，带有一点点悲伤的色彩。但这并不足以表现一个完美的诗歌作品。诗歌中还需要其他的情感氛围，且带有鼓舞人心的力量。而情绪的渲染也要符合具体事件的内容。
最早的诗歌规则来自古希腊，它的规则是：
他在开始时给了两个绝句一行,
这样两首押韵在我们耳边响了八次;
在六行的末尾，他命令他们巧妙地放置
并根据含义将它们分成terzets。
在十四行诗的自由，他严格禁止我们:
行的数量和大小是由上帝的命令给出的;
一个微弱的诗句不应该站在它,
这个词不敢在里面发出两次声音。
但十四行诗也有丰富的美感。:
十四行诗没有失误-这首诗值得一长。
创作者在创造的内容中需要考虑表达的范围，太大或太小都会造成问题。太过尖锐的话语在诗歌中出现的很晚，但首先出现了讽刺的手法。牧歌的隐喻手法是诗歌创作的一个先河，其在内容上表达的矛盾和冲突（以荣耀与轻浮的表现手法），让读者获得了智慧。我们不需要刻意提醒读者需要注意什么，因为读者一旦被内容吸引，他们就会自然与诗歌产生羁绊。
但我们仍会遇到空洞虚假的作品，用双意词构成的内容是值得品味的，但仅仅是具有让人发笑的讽刺内容也是不够的。
艺术作品中借用的自然象征物也是值得创作者思考的。用什么内容吸引观众，并引起观众情绪的共鸣。判定作品的好坏也是需要从观众的角度看待的。作品的内容涵盖的情绪也要是多变的。诗歌内容迅速进入主题也是可以的，不要太多空虚的内容。我们所描述的内容有些是我们在生活中看不到的故事，这些内容被描述的非常生动，但其中隐藏着一种连续的因果关系和情绪。这种隐藏的内容强烈的吸引着观众，并引导他们揭开秘密，让他们获得惊喜。每一个艺术创作者渲染情节的方式都是不同的，这种方式也发生了演变。然而，充满了罪恶的行为的描绘也是不好的，其有不可控因素。希腊戏剧的面具在艺术品的演变过程中被淘汰了。
在法国，剧院的演出引入了小提琴，而不是合唱团。内容上充满了音乐独有的情绪特质，但这种充满激情的演出仍需要注意内容。
不要让观众觉得空虚而睡着，即便是激情，也需要勇气和力量。艺术作品的主角必须要有弱点，但他仍具有鲜明的性格特性，这能吸引观众。这样创作的作品是符合自然规律的。而这些作品中的角色都带有不同的性格，且带有某种国家或者民族的特点。舞台布景不能表达一切，还需要从角色的特点切入内容。情节要热闹，或许有逻辑上的漏洞，但充满了生活的智慧。我们并不想看到把法院搬上舞台，而是体现人的本性。而角色的情绪和行为也要贴合故事本身。如果太过于追求逻辑上的演绎，则会让作品显得臃肿。让角色的行为带有的情绪感染观众。