以下会补上直播时的第一感觉，并与重听时比较。直播时我主要听歌声本身所表现出的意境，歌词更多的注意发音，不去关注内容。
1， 满文军 《我需要你》
刚从直播里看到满文军，真是“胖好多”。背景音乐响起《懂你》，熟悉的唱腔带来了一阵温暖。
直播时，听完第一段，第一印象就是好像副歌那段不够过瘾。难道是高音不够？第二段开始，从声音听，停留在高音区回荡，不会拔高，但也足够有力。但是整曲结束，还是有不够劲的感觉。整体表现看，中规中矩，没有特意炫技，也不失水准，基本就是平时大家对内地歌手的印象。最后排名第六。
重听的时候，因为已经有了准备，马上就能发现，确实在副歌那里出现问题。在更注重歌声的时候，当唱到第二个“我需要你”，“你”的音近乎消失了。第一段和第二段都是这样的问题。
“我需要”和“我需要你”，只差一个字，可是没有这个字，与把这个字的音唱没了，是两回事。
没有这个字，最后一个就是“要”的音，这是个强音，气势往上走的，多了这个字，“你”的音太弱，气势就跟着下来了。
注意这一点后，再从歌曲整体去听，就能听到，第二个“我需要你”的“你”又出现了，只是变得很短。
“我是歌手”节目中的高音，一直被人诟病。难道这个“你”字只有飙高音，才是好的吗？
与原版比较的话，感受就会很清楚了。原版的“你”，音并不高，但是会拖长。现场的“你”，却是一放就收。可见，高音并不是增强情绪的唯一方式。
我说过，演唱前，观众不知道自己要什么，演唱后，观众会知道歌声里有没有想要的。在这里，观众要的是什么呢？
副歌可以看成两部分。前两个“我需要你”和后两个分开，每一部分又分成两段。按照歌曲的节奏安排，是“伏”----“起”-----“伏”-----“起”，正好最后在声音的拉高释放出情绪。不是说非得这样错，而是这样表达最自然流畅，因而成为表达类似情绪的主要方式。观众听到这样的歌曲多了，就会留下印象，这样慢慢构成了流行元素。这样做的音乐，会容易被观众接受，成为流行音乐。不这样做的音乐，就是小众音乐，观众接受度自然很低。
“我需要你”，正好是每段的第一句，它就自然起到引领情绪的作用。而这个作用，又是体现在最后一个字的音上。这个音的高与低，强与弱，长与短，都会自然带给观众不同的情绪。观众不必有什么音乐素养，听多了自然能够感受。改进的办法很简单，第二个“你”字处理好，至于是要用长音，强音还是高音，要看歌手自己的感觉。
不再多说，只要自己去比较着听原版和现场，希望普通观众，也能发现感觉的不同。

2，张宇 《不要来找我》
听到一半，我真的快哭了，那个张宇，再也回不来了。演唱没什么能说的。最后排名第五。
张宇为普通人做了个很好的范例，那就是在嗓音条件不好的情况下，怎么去演绎更适合。
1，我自己就是非专业的普通人，谈不上什么技巧。只能说，针对自己的问题，想办法做点改进。我觉得，唱歌的时候，先吸气收腹，保持肚脐往下的小腹收紧的感觉，对气息的控制会好些。感兴趣的可以试试。
2，控制嗓音，尽量保持平稳。仔细听张宇唱歌，就会发现，没什么高音，在一个小范围内起起伏伏，却显得很有味道。唱的平，也容易找准音，只要音准了，没有突然的高音低音乱跑，普通人唱起来也一样很好听。
3，口型放小，把音发短。很多人都喜欢张着嘴吼。那是歌手的唱法，我们要是这样唱，最容易气息不够。用手摸喉咙，能够感受到振动。把这个振动保持在喉咙中段发音。
4，节奏感。这个大概是最能代表唱歌天赋的。通常，前两句节奏找准了，整首歌曲的节奏都容易把握。练这个没什么好办法。多听歌多跟唱把。
上面说的几点都很简单，不过都提到了“控制”。现在网上免费软件那么多，随便找个能录音的，自己唱自己听自己改。

3，张杰 无情的情书
直播开始时有点小期待，开口唱了就，不是失望，只是感觉还是那个张杰。第二段第二句突然起了高音，有点小突兀，然后基调开始上扬，始终在高点激荡。最后和着吉他的高音，到达最高点。整首歌符合张杰一贯的表现，稳定。做的很好，可又说不出，除了技巧外的东西来。最后排名第三。
重听仍然是同样的感觉，就是除了“好”字，好像也说不出什么了。
我一直强调，观众不知道，自己要的是什么。当歌手把自己想要给观众的东西呈现出来，就要考虑到，不能只是让观众看到，还要留下深刻的印象。就这段演出来说，最值得拿出来，也是张杰最应该向观众展现的，就是最后那段高音的技巧。为什么得到的评价不是惊艳，而是“炫技”？
这又要说回到听歌时的感受了。为什么第二段开始感到突兀？因为这意味着歌曲要进入高潮部分。但这是才开始啊。后面要怎么处理？最后的高音能不能上去？张杰确实做的很好，歌词结束的高音非常痛快。但是，但是，但是，怎么还在唱？
前面铺垫做得非常完整，让观众的情绪随着你的声音慢慢释放，这应该做好。目的是什么？是让观众沿着台阶走到最后，终于可以一边休息，一边欣赏风景，享受自己收获的喜悦。现在刚刚坐下，还没来得及喘气，导游过来说：“再坚持下，走几步，上面更美。”确实上去以后，看到的更喜欢，可是欢喜就淡了很多。
相比一路跟随最后收获，观众更喜欢不劳而获。即使前面做的平淡，只要给的惊喜足够，更容易带来强烈的反差，留下更深的印象。很多流行歌曲，其实我们也只是能哼几句副歌。为了流行而流行的歌曲，做到这点就够了，因为它只需要被知道。需要更多了解才能真正喜爱的歌曲，同样要考虑这一点，只有先知道了，才能谈到继续深入了解。
张杰一直给我的感觉，正如这首歌一样。一个很有技巧的，“唱歌好的歌手”，所有特点都被泯没在这个最普通的评价之下。你要把你的特点突出表现出来。唱得再好，也只是能被人知道。只有“独特”，才能让人铭记。

4，品冠 《我不愿让你一个人》
平淡。这是唯一的感觉。
平淡不是平庸。
很多人表示，就喜欢这样平平淡淡，轻轻柔柔的声音，感觉很温暖。确实，这种风格以前早已有之，现在有人喜欢，将来仍然需要。它借此让自己存活于每一个时代，同样的，它也不专属于任何一个时代。
电视中常见，医院病房里显示心跳的仪器，屏幕上的线，平着滑行后要跳起来。不跳当然完蛋，跳太猛也不行。不同的情况，跳的间隔也不同。
每个时代都有专属于自己的心跳，也就是自己时代特有的节奏。当我们说，一首歌曲过时了，不代表它本身的好坏，只是再没有了心跳的感觉。昔日海誓山盟，今天淡然一笑。人总是这么无情。如同已经离开的韦唯一样，当你仍在坚持自己时代熟悉的风格，从没想到这种风格是不是观众想要的，观众会直接宣示答案。堪称“凄凉”的得票率，表明这样的音乐，完全让观众无感。
我们不能说“变了就不是我”，因为现在的慢情歌没有死，它也不会死。歌手为歌曲注入了生命，这还不够。濒死的生命可以依赖观众的怜悯而苟活。健康的生命需要注入时代的活力，让观众愿意与之交流。
不仅如此。时代的烙印可以风靡一时，也会随着时代的逝去而被遗忘。旧有形式死去，其中适应新时代的音乐元素却会被保存下来，因为它还能让新时代为之心动。不断扬弃和吸收的结果，就是音乐本质被发现的过程。这个本质就是音乐的旋律。几个音符按照一定的节拍构成一个小节，几个小节组一个节奏，几个节奏组成旋律。旋律具有极强的包容性。一首完全跑调的歌，仍然能够听出它原本是哪首歌，这就是旋律的功劳。因此，保持旋律不变，只改变其中的音阶以适应不同的时代特色，就成为可能。这才是编曲的意义所在。

6，邓紫棋 《如果没有你》
原唱是一直舒缓的旋律，从头到尾。直播第一段还是平缓为主，第二段听到声音力度开始加强，我知道要来了，就象上面说的，要开始上山了。果然音阶逐渐升高，马上要结束到副歌进入最后高音，嗯？怎么掉了，我判断错了？（直播是闭着眼睛听，没看到发生什么）接着就听到突然的高音爆发。虽然单说的话，这段高音不错，但却跟前面的节奏完全对不上了。最后排名第四。
重看以后，邓紫棋确实在这里突然压低。我在网上简单搜了一下，只找到邓紫棋类似莫文蔚唱法的版本，无法确定这是不是有意处理成压低音。从整个演出来看，更象是情绪激动，声音锁住上不去，紧急处理下的结果。接着继续高音，这里的情绪就出现了断点。所以应该算是演唱失误。
观众的情绪随着歌手的演唱被引领。当观众从高到低，正想舒缓一下的时候，突然又被提了起来，情绪来不及转换，只会感到突兀。如果经验更多的话，可以稍微压一下拔高，后面再完全释放。这样现场听起来会更流畅。
失误也不全是坏事。割裂开只看最后的高音，能够感到情绪的投入和释放。从歌手的角度来说，这种近似即兴发挥的演唱，能够帮助她找到更适合表达自己情绪的方式，提高歌曲中所蕴含情感的感染力。演出要追求完美，这也只是种愿望，不能作为衡量的硬性标准。由此联想到前一阵热议的“耳返”，邓紫棋确实应该继续演唱而不是叫停。只是在这之前，韦唯已经因此叫过停，所以邓紫棋以为她也可以。而韦唯却是因为声音完全没有，那么现场观众自然也听不到音乐，所以才会停止。归根结底，是节目组的失误。

7，韩磊 《爱的箴言》
邓丽君的歌都很经典，不知道韩磊会怎么唱。第一段处理类似原唱，声音处理非常细腻，不得不说，这确实是“艺术家”。可第一段马上结束，音突然一变，我就忍不住心里哀叹“完了，又来了”，果然后面就开始变来变去，没什么可说的。声音倒是一直控制的很稳定，算是保住了原曲最后的一丝韵味。最后排名第一。
这首歌可以作为成功改编的一个范例。前面说过，每个时代都有自己的节奏。观众在判断自己是不是喜欢这个节奏之前，要先能听出节奏。所有必须要有层次感。就是利用相邻两个或几个音的高低，长短，轻重来做出对比效果，形成明确的节拍。
技巧好的歌手，如韩磊，可以把很细微的差别让观众听到，对于保持原曲的韵味就很有帮助。技巧不够，那就只选择调整其中一种，把调整范围放大，只要保持住整体和谐，仍然可以让观众感受到层次。而节奏的不断重复，加强观众记忆，在变音时自己去调整感受，却始终停留在歌曲制造的氛围中。整体的流畅和情绪表现完整，才是观众喜欢的原因。
既然这样，为什么我还是不喜欢呢？
茶里加牛奶，就算再好听再多人喜欢，那也不是茶了。
歌词唱的是一种“爱的奉献”，而用轻柔舒缓的曲风，却表现出中国传统思想中的“大爱无言”，两者的契合，才是歌曲带给人更强烈的感情激荡的结果。这是属于中国传统文化的独有情怀。对于不了解这种传统的人，感受不到这种结合带来的震撼。当歌曲出现变音，“无言”的效果被打破，意境自然就消失了。因此，就形式上来说，这首歌是成功的，但失去了原曲的意境，可以说是改编的本质的失败。

8. 茜拉 《想你的夜》
直播时，第一段一直都不错，慢慢唱到副歌，忽然“喔”一声，如果你听过唐僧的《ONLY you》，你就知道我要说什么了。后面又开始转音，完全听不出要表达什么情绪。第二段副歌开始，后面的高音听着还是很好，显出功底扎实，毕竟十岁出专辑。最后排名第二。
重听了几遍，歌曲本身倒没什么大问题，只是我不能理解，为什么要“喔”？这样要表达的是什么情绪？不弄清楚这点，情绪到这就中断，感觉上就不顺畅。我找了一个解释，可能是文化差异。他们那里的习惯，在这里就要这么唱。
这么想着又开始听，倒听出点感觉。
原唱主要表现思念和深情。我简单设想过，根据歌词，可以在前面加个“纠结”的情绪，最后就可以表现出坚定，更有层次感。“喔”和转音，好像也可以表示“纠结”吧？再次重听，果然感觉顺畅多了。最重要的，这样最后的高音也可以理解，那表示了“坚定”。整首歌的情绪就完成了。
这里体现出文化差异带来的排斥。类似情况下，我们听到的“喔”，所熟悉的方式多采用轻缓抒柔的方式，以至于我听到更有力量的，竟然反应不过来。当然，我还是觉得，入乡随俗，按照我们熟悉的方法处理，更容易被我们接受。

小结：
对于演出，我不会用“精彩”的程度做为标准。精彩与否，其实是很多条件限制的。我的标准是“满意度”。整场下来，总体还是很满意的。即使亮点最少的品冠，仍在努力表现，只是没有找准方式。其他歌手，也都有自己的东西。至于说有的观众看到了，有的观众没看到，这才是正常。任何一首歌曲，事先考虑的再全面，也不表示演出就会完美，最多是成功的机会更大。从成功和失败中寻找出经验，才是音乐不断前进的真正动力。

当还未踏上路途的时候，我会考虑选择何种交通工具。当我已经坐上前往目标的火车，就只需要等待抵达终点。实现我目标的，不是意愿，而是我有足够支付票价的钱，并且能够买到我所需要的车票。也只有到这时，我才要确定，我买的，确实是前往我想去地方的车票。这是“精神”唯一能够做的事情。明确方向。如果它试图做的更多，它就立刻使得事情变成完全不受控制的状态。而结果，只能依靠运气去达到目的。
方向一经指明，“精神”也就完成了它唯一的使命。在前进的道路上，精神不再被需要。能够实现目标的各种现实条件相继提出，为实现这些条件，需要付出实际的劳动，而不是依靠“精神”去博得他人的施舍。事实也是如此。除了少数幸运儿，他人不会只因为“精神”去施舍。
精神回到它应该待的唯一位置，即认识到它本身不能改变任何现实。“精神”笼罩在社会各个方面的面纱被撕破，社会呈现出的就是冰冷却绝对真实的现实运动。这时才能看清楚现实运动的轨迹。这时才能开始对现实进行具有实效的研究。这时才能分辨自身所在位置。这时才能看到，延伸在自身前面，到达理想彼岸的真实道路。这时才会知道，为了能够继续前行，应该做出什么准备。这时才能保证，面对岔路，自身的选择才是正确的。
也只有这时，才会知道，在这错综复杂的世界中，我们已经迷失了自身。
必须重新出发。拨开历史的迷雾，重新理解我们早已知道，却从未在意过的人和事。重新修复在时间中消逝的，连接着历史各时期的道路和桥梁。当我们沿着这样的道路寻找到自身，才能知道怎样制造铺垫在堵路下的基石，才能亲手修建通向光明未来的康庄大道。哲学仅仅限于告诉人们这个真理。其他一切被以往的“精神”赋予它的使命，将由社会科学对“现实的真实观察和研究”所完成。

中国古代音乐
古代音乐是什么形式？从哪里来/
生活在网络时代的幸福，就是可以直接从度娘那里找资料。随便搜了下，找了几个古乐点开听了，立即发现，这对我来说没有用处。现代古乐，显然是经过改良的。在还不知道古乐的内涵之前，我不可能从中听出，古乐曾经存在的真正表现形式，以及它在这种形式背后隐藏的现实。
那就只能搜古乐历史了。文字记载和文物研究，都只记载到周代，再早的年代已经无从探寻。在这里，考古资料帮不上忙的地方，还有逻辑思维可以用。
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既然我们是无神论者，音乐就只能由人类社会自身中产生。
第一个疑问就是：古代的音乐，与现在音乐是一样的吗？
我以前从未想过，可以对此有异议。我们看到的所有资料都拼命证明，古代的乐器，拿来演奏今天的乐曲也同样动听，由此得出，古代人民就已经跟现代人一样，有同样的音乐素养，虽然那时候，他们还没有使用这样的专用名词。古代的音乐人，也与现在一样，唱着跟我们类似的完整的歌曲，表达着他们的喜怒哀乐。
我们习惯了把“观念”，也就是“精神”看成是理所当然的事。音乐当然是有历史的。音乐的历史是它自身的发展过程，也是它不断完善进化的过程。当这个过程呈现在现代人面前，自然与它在历史前期有着巨大的差别。因此，当谈论古代音乐的时候，把它看成是现代音乐一样的形式，这本身就是个错误。
要弄清楚这个问题其实很简单。既然音乐本身不能从天而降，那么它在发展奥一定形式之前，就必须先以简单方式存在。这个简单方式，又只能从当时人们的生活实践中产生。现在新的疑问是，音乐是直接的作为一种娱乐方式被创造出来，还是从别的形式演变而来的呢？更进一步的想，音乐用乐器演奏，那么乐器是创造出来只为了演奏音乐，还是从别的用途演变而来呢？这可以做一个简单的，相对合理的假设。只要这个假设能够一直成立，就可以看成是历史事实。那就是，乐器为了别的用途使用，在这种用途逐渐消亡后，演变为演奏音乐的工具。音乐与其他的艺术形式一样，也从别的方式演变而来。
注意其中问题的变换。音乐-----乐器---------唱歌---------乐器。按照现代的观点，还应该有专门的词曲作家，可以简单理解为群众自发创作。现在需要排列的是它们的历史顺序，就是哪个先出现，哪个后出现。如果把“音乐”看成是个观念，而只把探究放到这个观念之中，自然只能是“音乐”先出现。而当把探究放到人类社会的现实生活中，放到人们在生活实践中更合理的知识经验传承中，结果就未必如此了。
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文学作品和电视中经常出现这样的画面：夜幕降临，人们围坐在篝火旁，一边吃着食物，一边看年轻男女载歌载舞。这是一种从古代延续下来的，现在还经常在少数民族民俗中看到的一种生活方式。这里表演的音乐形式，只是古代人简单音乐形式的发展和继承。这能不能说明，当人类脱离了兽性的束缚，真正进入原始人类社会生活的时候，音乐就开始存在了呢？
我们看不到古猿的生活，不过有很好的参考。大猩猩是最接近人类的动物。即使进化到现代，它们表达情绪的方式仍是嘶吼。从中可以得出结论，当人类开始脱离动物界的时候，仍然还是只能以嘶吼的方式表达情感。这种嘶吼可以看成是音乐的雏形，但总不是音乐。它发展到能够作为一种形式出现的音乐，还有很长的路要走。还要注意，“嘶吼”这种形式，带来的结果应该是热情风格的音乐。而我们提到古乐，首先不会想到“热情”这个词。只有“民乐”才是热闹的。因此，这还不是上面所提到的音乐，先把它放在一旁。

现在，先停下历史考察，重新归纳下资料。
1，现代意义的“古乐”，不是泛指古代音乐，而是特指以古代乐器演奏的音乐形式。以下所说的“古乐”，同样是指以古代乐器演奏的音乐形式。
2，古代乐器分为八类，称为“八音”。演奏古乐时，多为几类乐器的合奏。
3，据文字记载和考古发现，周朝时期的古乐已经具有独特的表现形式及艺术内涵，成为社会生活新的组成部分。
4，周朝及其之前时期的古乐，最早作为举行仪式时的必要辅助方式，后来逐渐进入日常生活，发挥教化和娱乐的功效。
5，孔子主张的学说中，“乐”是“礼”的重要组成部分，被赋予了更多的精神内涵。因此，流传下来的文字记载中，关于古乐的内容往往与品德精神联系在一起。关于古乐的真正演奏方法和形式，往往需要凭借文字去揣测推断，让“还原古乐的本来面目”这一工作异常艰难，并充满不确定性。
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这篇文章只是做个概述，所以过程省略，直接说结论。
在这之前，还要弄清楚一个问题：“我怎么知道，我现在做的判断是正确的？”
“真理”这个词，其实是被滥用了。任何真理，都只能存在于一定条件下。
例如，我是个无神论者。当我说“上帝不存在”，我以为我说出了“真理”。其实这是错的。因为上帝必然的存在于思维中，不然我又怎么知道有“上帝”。事实上，这一点也正被某些人拿来来证明“上帝存在”的真实性。所以我真正要表达的是，“创造了各种运动，并且能够随意影响和改变这些运动的存在”，无论它是上帝，又或者是什么“命运”，都是不存在的。运动有它自身的规律。我所做的一切的结果，都只是由我的行为决定，而与我的意愿无关。让我决定作出行为的意识，无论它是来自上帝还是命运，又或者是我自己的“绝对意志”，都不能改变运动的本质。这些都只能发生在行为影响运动之前，因而它不属于运动的任何一部分。这样我就发现，“意识”的作用，并不是要参与到运动之中，而是要从学习和经历中去掌握运动规律，以便在采取行动之前，选择最能够达到我意愿的运动方向和形式。
任何判断，都只是从运动中去分析了解，得出运动发生的条件，考察运动在条件变化时的相应变化，明确运动到达某一个节点时产生的各种不同结果，并在自身经历同样运动时做出相应的选择。
如果我可以说，“我的判断是正确的”，就意味着，我已经确定了运动的发展方向及其过程中的变化，并初步了解变化产生的各种结果。我还确信，在将来的运动中，所有能够发生的，都没有脱离我已经掌握的规律范畴之外。在这里，我最初的掌握只是一个雏形，是一个理论的基础构成。它观察今后的运动，不断从中发现和完善自身基础上的建筑结构，却不会撼动自身。这样我就知道，我是正确的。
当某个新的运动与当初的理论基础发生，就要重新审视。
如果只是当初受条件所限的必然的不完善，新的运动可以在增加某种条件后，再次加入到理论之中，并使得理论的应用范围更加扩大。
如果新的运动无法纳入旧体系，说明促使原来的理论基础得以产生的条件已经改变，需要用新的理论发现去代替旧理论。原本存在于旧理论条件下的运动规律，需要重新经过新理论条件下的分析考察，为新理论的建设提供客观材料。时代更迭和知识的积累，就是通过这样的方式，使得人类社会不断的发展壮大。
做出一个判断，只是一个开始。它要不断的在新接触的各种运动中接受验证。不能只寻找可以验证判断的，也不能看到无法验证的就置之不理。而在我们还没有证明它的错误之前，它就自然是正确的。因此，我就可以宣布。“我的判断是正确的。”
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结论：
1，古代乐器最初是为了增强彼此在社会性活动中的配合而发明的，各种能够发出响亮声音的器具。
2，这些器具因为它们自身的用途，首先被赋予“指挥”的意义。
3，它们发出的声音，自然被认为是人们要进行某种行动的指示讯号，因而最初应用于各种大型的活动和仪式中。这种习惯延续至今。
4，这种形式，就现在发现的历史来看，已经非常久远。不能把它看成是音乐的形式。它只是“声音”中蕴含的社会效用的应用。
5，新的联系形式取代了旧有器具发挥的作用。这些旧有器具逐渐被只应用于活动与仪式中，慢慢失去了指挥人们行动的直接意义，剩下的只是象征意义。
6，象征意义为“声音”赋予了新的内涵。这些器具开始按照一定的方式发出声音，由此产生了最初的音乐形式，并使得它们变成了古代乐器。
（这也说明了，为什么古代出现那么多的乐器，并且要配合演奏。当“发出声音本身”的这一需求不断增强，原有器具的功效不再被重视，“声音”可以在同一样乐器中体现出来而不影响它的用途，古代乐器中的能够被替代的种类就慢慢消逝，一件乐器中能够发出多种声音的方式被创造并制造出来）
7，仪式中的威严感被削弱，声音组合发出的悦耳声响被注意，古代乐器开始被用于平时演奏。
（这只能在相对稳定的社会环境中实现。王朝的统一）
8，出现专门的演奏者，并根据不同声音对于人的影响进行研究，古代音乐由此成型，
9，这时的音乐仍具有自身的象征性，并因此需要多种乐器同时演奏，让它成为王公贵族的专属。
10，至少在周朝之初，分封诸侯使得古乐在上层社会中得到广泛传播。对乐师需求的增多，不仅让古乐自身得到快速发展，也为古乐在民众中传播打下了基础。
11，春秋战国时期，不断的诸侯战争，反倒促进了文化的交流融合。古乐成为“士人”之间的重要交流工具，并被赋予了更多的社会道德内涵。
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古乐表现形式的特点：
1，对最初“指示用声音”的模仿和继承，并在此基础上产生“抒情”功效。（喜乐，哀乐）
2，拟声。古籍中常见古乐演奏时的环境变化和动物反应的描述，以此解释最为合理。而从“知音”的故事来看，“拟声”出现的时间即使很早，也并不是古乐的主流。
3，乐音组合后产生的复杂效果。一段连续的乐音，会使人聆听后产生情绪波动。通过不断的比对研究，可以根据人们在听到连续乐音后的反应，主动创作出能够引领听众情绪的音乐。
（要做到这一点，只能是古乐已经发展到一定阶段才能完成）

按照学前四年，小学到高中毕业十二年，大学四年计算，人生之初的学习就要经历二十年之久。
学习所得内容，大致可分为以下几类：
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1，记忆式。
所有不会因为事件流逝而改变的学习内容都是记忆式。包括各种物品名称，文字文学，数理公式，社会资讯，历史人物事件等等。它主要依靠人自身的记忆能力。
2.解析式。
根据自己掌握的知识，按照一定的规律探寻事物的发展及结果。学生的理科学习可看成是典型例证。它与“记忆式”的差别是，除了记忆能力，还要能够自己主动找到解决问题的方向。一样的方式下，所得的结果也都是一样的。
（记忆式和解析式，都属于不可改变的内容范畴，容易对所学的内容做出对错与否的判断）
3，经验模仿式。
它与前两者的区别是，更多依靠自身的经历或者行动获得的，与之相关的是自身具有的条件。人与人之间的差异，导致它在不同人之间存在或大或小的差别。
4，自思所得式。
从上面三种方式中获得的，超出当前自身已知范围的新知识。受环境和自身学习能力限制，所学到的都只能是全部知识的一小部分。从这个小的部分出发，可以自行获得获得其他部分的知识内容。
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“记忆式”和“解析式”占据了学习时间的大部分，却对实际生活影响很小。其中大多数内容，根本就没有用武之地。但是，它们却是后两种方式“经验模仿式”和“自思所得式”的基础。一个看起来毫无用处的知识点，可能会在某一瞬间突然引发灵感，带来意想不到的思维启示。正因为如此，我们无法断定，那些看起来根本没用的学习内容，哪些可以抛弃，哪些必须坚持。
不能直接作出判断，可以想像举例做出启发。
古文读起来有趣吗？ 有。
学习古文有意义吗？ 有。
应该继续学习古文吗？ 应该。
你会在日常生活中使用古文吗？ 正常人都不会。
因此。古文学习应该以通俗性和趣味性为主，目的是让学生对古文有一定的了解。文法结构方面的掌握程度可以降低。这样节省出来的时间，就可以用于其他方面的学习。

人体使用乐器的部位，可以简单分为嘴和手。乐器也可以据此分为两类：嘴吹式和手控式。
现代音乐中，唱主角的是手控式。嘴吹式除了用于伴奏，大多只是在表现个人风格的情况下才作为主音乐器。究其原因，嘴吹式乐器更依赖个人自身条件。不同人的气息控制无法做到同步，嘴吹式乐器的演奏表现也就会因人而异，自然不能针对某个发音的方式和效果做出硬性规定，评定通常只能采用“比较”的方式。手控式乐器的制作精细，通过乐器自身的调试，不同人用近似的方式和力量，就能发出同样的乐音。这对评定音乐表现能力来说，就是极为方便了。对学习者来说，手控式乐器的演奏训练，更能清楚表现出自身的演奏缺陷，明确需要加强学习的部分，提高自身技艺更加方便快捷。学习上的方便，也让手控式乐器更加普及，使得手控式乐器的各方面都产生积极的促进作用。种种原因作用的结果，就是手控式乐器成为现代音乐主体的原因所在。
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最初的人类依靠嘶吼作为联系方式。嘴吹式发音的器具，很有可能在某种契机下，取代人的嘶吼，成为人类联系的新方式。手控式发音器具，估计是首先敲打树木或者大石头等自然界的天然存在，后来才发展到用较小因而方便携带的，能够在敲打后发出足够响亮声音的器具。两者哪个先出现，已经无法考证，也没有必要，因为这必然是非常久远的事了。
特别要指出，现在很流行把当时用来发出声音的器具都看成是“乐器”，认为这些器具最初就是为了演奏音乐而被创造出来。这是不可能的，这些能够发音的器具，只会因为当时人们生活的实际需要而产生。当这些需要已经不再依赖发音器具，发音器具才慢慢演变成乐器。
从现在的出土文物来看，所发现最早的发音器具都是嘴吹式。被认为是所发现中中国最古老的乐器“贾湖骨笛”，已经有多孔的设计，保存最好的甚至可以用来演奏较完整的乐曲。德国还发现了，据说已有三万五千年历史的五孔骨笛。这些发现表明，当时的嘴吹式仍处于强势地位。
在这里，值得注意的是，单纯用来发音的器具，为什么需要这么多的发音孔？既然在现代音乐熏陶下的我们，仍然不能保证发音的一致性，当时条件下的人们，也就更难做到了。通过孔的设计，使得气流运行距离保持在一定范围内。不同距离情况下，发出的声音差别更容易识别。这大概是多孔发音器具出现的原因。根据测定，贾湖骨笛的孔距设计，已经具有比较精确的音律识别能力。这就为古代音乐形式的出现和发展提供了先决条件。
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手控式乐器又可分为击打式和拨弦式。
击打式的使用方式简便，出现的历史更长。同嘴吹式一样，它在声音控制上的无法把握，让它在古代发音器具中处于从属地位。
拨弦式出现的应该较晚。我个人的看法，是箭射出后弓弦颤动引发的声音中，获得了灵感。当拨弦式发展出相对固定的形体，从而能够更好保证发音的精准，学习的难度大幅降低，流行并逐渐取代嘴吹式就成为必然。而从嘴吹式发音器具中吸取的发音特色，在拨弦式发音的重复运用下，形成明确的发音表现形式。由此音乐才正式出现。