SRV

电吉他大师：
Stevie Ray Vaughan（人称SRV）
Jimi Hendrix（这俩都是老牌经典人物）
steve vai （摇把技巧出神入化）
Kirk Hammett (Metallica乐队主音吉他)
joe satriani (这是steve vai和Kirk Hammett的老师，所以又号称是专门教大师的大师)
Yngwie Malmsteen （新古典主义）
Paul Gilbert（Mr.BIG乐队吉他手，号称光速吉他手）
Eddie Van Halen （点弦技巧发明者）
Eric Johnson（乡村、BLUES风格见长）
Eric Clapton （BLUES大师）
B.B.KING （这也是老牌BLUES、爵士大师）
除了上边这些，还有zakk wylde、SLASH、Neil Zaza、John Petrucci......太多了

B.B.King(照片3)
1950年圣诞节之后几天，B.B.King为RMP录制的第17首单曲《Three O'Clock Blues》（三点钟布鲁斯）打上了Billboard（“公告牌”榜）的R&B（节奏与布鲁斯）唱片榜。1951年元旦过后，这首歌登上榜首并保持了15周之久。由此，B.B.King终于成为了全美公认的布鲁斯音乐家。然而这次成功却给King的婚姻带来了危机：一对没有孩子的夫妻要么一同走上巡回演出的行程，要么分居两地。在巡回演出的途中，King收到了Masha在离婚协议上签字的消息。这虽然给了King一个打击，但却让他写出了《Woke Up this moming》（今早醒来）的灵感。这首歌是继《Three O'Clock Blues》之后的第二支大热门曲子。经过8年的婚姻生活，King与Masha终于在1952年宣布离婚。
50年代是 King 在节奏与布鲁斯领域缔造地位的时期。在那段时间，他录制了20 首上榜作品，如“You Know I Love You（你知道我爱你）”（1952）、“Woke up This Morning（今晨醒来）”（1953）、“Please Love Me（请爱我）”（1953）、“When My Heart Beats Like A Hammer（当我心如锤般跳动）”（1954）、“Whole Lotta'Love（全部的爱）”（1954）、“You Upset Me Baby（宝贝你让我心烦）”（1954）、“Every Day I Have the Blues（每天我都有布鲁斯）”（1955）、“Sneaking Around（潜行）”（1955）、“Ten Long Years（漫长十年）”（1955）、“Bad Luck（厄运）”（1956）、“Sweet Little Angel（甜蜜小天使）”（1956）、“On My Word Of Honor（我荣誉之言）”（1956）、“Please Accept My Love（请接受我的爱）”（1958）等。
1958年6月，King娶了他的第二任夫人--苏·霍尔（Sue Hall）。苏的母亲是印地亚诺拉Club Ebony（乌木俱乐部）的老板娘，B.B.King在那儿认识了比他小15岁的苏。他带着她跑了六个月，然后在洛杉矶买下房子，苏开始在那儿筑巢，但King却极少在家。就如第一次婚姻一样，B.B.King不断地巡回演出毁掉了这桩婚姻，他们于1966年离婚。而B.B.King的反应又是录制了他最红的一支歌：“The Thrill is Gone（激情已逝）”。对于音乐家来说，也许只有音乐本身才是他们永远的伴侣。
取得成就
B.B.King(照片4)
摇滚乐的诞生创造了一批黑人明星：Little Richard，Fats Domino，James Brown和 Chuck Berry。而King却并不走运，他的黑人音乐在白人主流音乐圈中仍被孤立。尽管King于60年代初把他的预约代理转给ABC唱片公司，但他仍然无法找到一个通向主流音乐的缺口。King感到挫败，1968年以前，他在白人听众面前演出不超过两场，而且都是灾难性的。尽管运气欠佳，这段时期King的音乐却比以往任何时候都好，如60年代初的经典之作“Sweet Sixteen（甜蜜的16岁）”。1965年左右，情况发生了变化，这个转变从白人第一次在Newport民歌节上听到Sun House和Mississippi John Hurt的演唱开始。在那一天，有一个叫做 Butterfield Blues Band的新组合登台演出，他们引发了一股强大的全国性潮流。不久这支乐队推出了首张专辑并赢得了美国中产白人的欢心。新的刺激来自乐队吉他手Elvin Bishop与Mike Bloomfield所制造的根源性的、奇特的音乐音效。所有的人都在问他们：“你们从哪学会这样弹琴的？”两个吉他手老实地回答：“我们抄袭B.B.King的华彩乐句。”当人们瞠目结舌地问到“他是谁”时，Bishop和Bloomfield总会说：“一个真正的怪物。”
实际上，即便是在当时，King也算不上是一位通常意义的吉他高手，他自称只知道几个和弦，而且只能弹单音的独奏，并且没有办法边弹边唱。但是，B.B.King却影响了后代无数的吉他手，最主要的原因是他能将他的感情投入他的演奏，能使他的吉他“唱”起来。即使只有一个音符，King也能用各种方法使它发出特别的音色。对于今天的布鲁斯吉他手，如果不使用推弦技巧，几乎无法演奏。而据说，King是第一个使用推弦技巧的吉他手，其在蓝调界的地位自然无可争议。
在美国主流音乐界终于听说了B.B.King这个名字后，整个世界都似乎为他的出现作好了准备。1969年，B.B.King第一次在电视网的“今夜表演”节目上作演出。1971年，King出现在Ed Sullivan节目上。能在Sullivan节目上演出，意味着一名真正的明星诞生了。B.B.King认为一位布鲁斯乐手最重要的能力就是他面对现场观众时表现出的技巧。他曾经以伟大的乐队领队、萨克斯风演奏家和歌手路易斯·乔丹（Louis Jordan）作为模仿对象。你可以在“How blue Can You Get（你有多忧伤）”中听到一段B.B.king最出名的、从乔丹那借来的节奏谱线。另一个明显的例子是B.B.King的“Nobody Loves Me But My Mother（除了妈妈没人爱我）”。
King是70年代期间布鲁斯乐手中能不断推出热门作品的少数人之一。原因是他不惧怕实验。1973 年，他到费城录制了2首热门歌曲：“To Know You Is To Love You”和“I Like To Love The Love”。1978年，他与爵士风格的The Crusaders合作录制了“Never Make Your Move Too Soon”和“When It All Comes Down”。而试图融会纳什维尔乡村之声的专？Love Me Tender“，则是一个艺术失败。虽然King的演出总是无可挑剔（他也能保持每年 300 场演出的水平），但他也注重录音室的工作。1993 年，在为MCA公司录制的”Blues Summit“中，King与John Lee Hooker、Etta James、Koko Taylor等伙伴进行了二重奏。
2000年，King与另一位公认的吉他巨匠Eric Clapton合作了专辑”Riding With the King“。两位大师级人物在这张专辑中让他们的音乐灵感和天赋尽情碰撞：King言简意赅的填词、极富戏剧性的颤音和Eric Clapton明朗有力的底音、轻松快速的节奏非常协调的结合在一起，双方配合地天衣无缝、相得益彰。同时，这张专辑也获得了第43届格莱美”最佳布鲁斯专辑“奖。

Clapton用的是典型的蓝调吉他技巧，但之所以说他是吉他之神，是因为他在传统技术的基础上进行了大量的改革，形成了鲜明的个人风格和特殊技巧。Eric是最早使用Over drive音色的音乐家之一，同时的还有Jimi Hendrix，这是蓝调和摇滚派生出重金属音乐的重要标志，因此说Eric是重金属音乐最重要的奠基人之一。另外，Eric还是最早使用哇音踏板的人之一，最具代表性的就是Cream时期的White room，当然Jimi Hendrix的Voodoo child也非常经典。Eric的演奏还有一个特点，就是从来不使用摇把，而是全部使用推弦，其实这两种技巧的目的都是通过拉紧琴弦，将所弹奏的那个音的音调逐渐或来回升高。但是，比起强劲的摇把，手指的推弦更能表达感情，Jimi的摇把能让人尖叫，而Eric的推弦能让人心碎！

个人分析
EC的突出特点在吉他的揉弦和推弦上
eC揉弦惯用以一个手指按琴颈，整个手上下晃动，震动强烈，柔美！
大推弦时充分用了手腕转动的力量，手部控制力极强！！能充分表达其各种情感！！收缩自如！
吉他音色唯美动听，温柔饱满，这也与他演奏技术有很大关系！
再加上EC对音乐的乐句感极强，能恰到好处时断开，又巧妙的接回来，处处能弹到人心里，这也正是BLUES的精髓。
其以BLUES也核心，能把各种风格和谐的融进歌曲里。

首先重点提一下clapton的solo都是即兴而成的，实际上现在的新吉他手真正弹即兴的已经越来越少了，经常是事先安排好的模式或者是乐句子。这样弹琴当然可以在背景和声里面进行而不会违背乐理，但是如果在歌曲里面就要符合整体歌曲的感觉，有的乐手没有考虑整体歌曲的感觉，所以他们的solo单拿出来也很好听，但同样的solo放在别的歌曲里面可能也可以......看robertcray这类乐手弹琴时候嘴里一直是嘀嘀咕咕的，实际上是他在唱弹出来的旋律，注意是他在跟着头中的旋律在弹，而不是手跟着把位机械的运动。
再看一下Clapton在组织solo的整体感非常到位，像在讲一个整体的故事有铺垫、发展、高潮、结尾（推荐聆听24Nights）。
背景的和声走向的方面，人人都知道传统的12小节blues，我们暂且不谈，Clapton涉及的音乐领域非常广泛，所以solo时侯的和声背景也是变幻无穷的。大家都知道jazz乐手solo时候是跟着和弦走的，如果细心的话可以听出Clapton的solo前面也会用和弦音来勾勒出音乐背景，然后再发展。
音符的节奏方面是非常有特点的，芝加哥Blues的高手都是根据音乐的整体感觉来拉伸节奏，而整体的时值不会有大的变化，而不是总把音符都放在正拍子上，不懂的人就会说clapton的节奏不稳了。
歌曲的和弦走向也是很值得我们学习的（这部分都是精心安排好的），国内的流行歌大小三和弦都用的很“规矩”，而Clapton用的就复杂的多了，而且中间经常会有出乎意料的转调，博大精深......
从大的方面讲，吉他只是表达音乐的一种乐器，好的乐手知道整体乐队的配合要比各人炫技重要的多，古典音乐讲究和声织体，而Clapton在流行音乐方面的和声织体也是很包满的，当然因为跟他合作的乐手都是世界一流的。单拿吉他来说，比如Clapton和BBking两人同时solo时候是很激动人心的听着对方的声音来即兴，两人的旋律交织在一起，令人浑身的细胞都跟着颤动。我听音乐时侯是听乐队整体的声音，而不是说我是弹吉他的就只听吉他部分。另外，Clapton跟BuddyGuy一起演出时候就会Blues的味道很浓，而和JJCale一起时候就会乡村味道浓一点，注重音乐整体的感觉，举个例子，你在一段流行歌中加入一段金属的旋律就破坏了正个音乐的感觉，但是好的金属旋律放在好的金属歌曲里面就让我听后整晚激动的睡不着觉。
Clapton在音乐的修养方面也达到了相当高的层次，并且很有眼光，如果不是他的介绍恐怕DerekTrucks也不会全球轰动了，（当然，因为Derek本身就是个旷世奇才，不然阿斗是扶不起来的）。
最后说一句，不同的乐手互相比较是很无聊的，大家都有自己专攻的方向，这些被比较的乐手互相之间都互相钦佩，我们这些地球另一面的人又瞎操什么心啊。又不是看奥运会。好的乐手都有自己独特的声音，比如纪念SRV的那个现场,都是一流乐手，但六个人同时即兴时候每个人的声音都能一下子听出来，就像六个好友在一起聊天一样。每个人都听着别人的话而作出相应的反映......
Clapton可以让很多不弹吉他的人也听他的音乐。

朋友们，关于摇滚我想说些个人的看法。听音乐，唱音乐，和创作。要比评论更有意思。 每个人对摇滚都有自己独到的视角和见解。在我心里我喜欢的音乐最重要的就是，不刻意，但绝不随意。 摇滚的风格有很多种，常见的英式，美式，Blues,funk,等等。但这都是从音乐风格的角度作出的区别。绝对没有对音乐的品质有高低贵贱之分的意思。但我不太习惯从所谓的“摇滚精神”的角度对单纯的音乐进行程序化的定义和“标签”。比如，愤怒，反叛，积极，消极，爱，自由，主流，地下，等等。他愿意是什么就是什么。因为真正爱音乐的人完全可以在自己的环境，从自己的角度，用自己的方法表达他要说的。他们发自内心的做法会得到发自内心的满足和快乐！你的舞台灯光绚丽你未必就是王者，那得看前提是什么。也许在一个小型剧场有正在发声的音箱和插着线的吉他手。有真实的呐喊声。这并不奇怪，因为一切都是从为了保证音乐的品质而出发。因为那里的歌手不仅仅是站在台上的。 为了一个形式化的定义而丧失了音乐的本身意义是悲哀的。如果那样，你写一首给自己母亲的歌你如何愤怒？写一首批判性的歌你如何积极向上？请问两者谁“更摇滚”？再有就是我们写歌词表达的是自己的内心，和态度，而不是其他。难道你的初衷是想写一篇文章吗？还是想刻意表达什么哲理？歌词的美，文章里没有。文章的美，歌词里也没有． 摇滚可以直接，可以间接。但都不是为了故意显示和刻意逃避什么。 自然界的景色壮丽不是画出来的，我们更不能看到了照片就说听到了鸟叫。 先有了欲望，冲动。就有了旋律，和声，歌词，最后一首歌就这么自然的诞生了。父母让我们健康成长的初衷是为了爱，还是为了拯救世界？？？ 只要是好音乐里面必定蕴含了人内心最真实的情感，最丰富情绪。这不代表任何东西。简单的事往往注定要变的复杂，然后变得浮躁。最后忘了初衷，失去了一切。 什么叫“够摇滚”什么叫“不够摇滚”？音乐上如何定义？ 　　什么叫“外表”什么叫“内心”？问自己确有定义！

没搞错吧？又是一篇“摇滚和流行的区别”？（1）
文：冥燚（释魂乐队吉他手、制作人、录音师、混音师）
见过无数次关于“什么是摇滚乐”、“什么是摇滚精神”、 “摇滚和流行的区别”这类问题的讨论，我听了十多年摇滚乐，做音乐、做乐队也有点年头，早已有了自己的答案，这次终于得空整理出来，愿和大家交流讨论。
先从音乐本身来看吧：
摇滚乐的一个基本特征是它所用的乐器：电吉他、电贝司、鼓是核心三大件。在这其中，尤其以电吉他失真音色的使用为重要特征，失真音色的类型和不同的摇滚乐分支风格有着紧密的联系，比如英伦、后摇、硬摇滚、Grunge、新金属、黑金属等不同风格都有各自特有的失真音色。绝大部分的摇滚乐都以这三大件为主，那些完全不用三大件的音乐则很难被大家认为是摇滚乐。而流行歌在乐器的使用上没这种限制，一首流行歌的伴奏可以是纯电子乐器、可以是纯古典乐器、也可以是任何种类乐器的混搭，因为流行歌的重点在唱歌的人，乐器部分只是伴奏，只是一个辅助和陪衬，很多流行歌的演出现场只要歌手一人跟着伴奏带即可，甚至宁可要伴舞也不会要乐队。
摇滚乐注重乐队的整体感，而不像流行歌只突出人声的旋律。东亚流行歌里，人声旋律是可以独立成章的，即使没有伴奏部分，旋律本身的起伏和表现力依然足够，这样也使得这类歌曲容易被大众口头传唱，适合大众在KTV里自娱自乐。而在摇滚乐里，人声只是整体中的一个部分，很难独立于乐器部分而存在，如果去掉器乐部分只留人声旋律，音乐的表现力将会严重受损，如果你第一次听一首摇滚乐，是单独听分轨里主唱那一轨，你会不知道他到底在干嘛……对于一些极端点的摇滚乐类型来说更是这样，人声本来就全是吼，去掉器乐部分那就不剩啥了……摇滚乐的魅力需要一个完整的乐队形式来呈现，因此欣赏摇滚乐的最好途径是去看乐队现场演出，舞台上乐队里每个人的表现都相对重要，乐手的表现会相对突出；而流行歌基本上只突出歌手个人，虽然有些流行歌手的演唱会也需要乐手伴奏，但是他们一般都被隐在舞台后侧，受关注程度甚至还不如伴舞。
从根源上讲，这和东西方音乐的传统有很大关系。东亚传统音乐大多是单声部、单旋律线音乐，而西方音乐把多声部音乐从理论到作品都发展到了非常成熟的高度，注重和声、和弦色彩以及声部间的有机配合。再说到声乐和器乐的地位差异，中国传统音乐讲“丝不如竹、竹不如肉”，而在西方古典音乐很长的一段发展历程中，器乐比声乐的地位要高得多，得到的重视也多得多，他们认为器乐才是最能表现音乐本身的技巧、深度、魅力和美感的最高形式，从文艺复兴到巴洛克到古典主义到浪漫主义等等，绝大部分西方经典音乐作品都是纯器乐曲。
摇滚乐作为西方文明的产物，自然也继承了很多西方音乐的理念。而本文所说的流行歌，主要指的是东亚地区的流行歌，这种音乐是西方流行乐传入日韩、再到港台、再到大陆这一路下来，不断被本土化之后形成的，其实西方流行音乐中也有不少注重器乐的成分，比如Blues、funk等，但这些也都在“本土化”的过程中被弱化了。两者的这种区别的另一个例证是，在很多摇滚乐里都会有大段的器乐演奏段落甚至纯器乐曲目，但是在流行歌专辑里基本不可能出现纯器乐曲目。
前面说到“流行歌重主旋律、重人声”，“摇滚乐重整体、重编曲”，造成这些特点的原因还和这两种音乐类型的创作方式的不同有关：摇滚乐一般是先由乐手写出Riff，做出编曲，再在上面加旋律、加词，而流行乐一般是先有了人声旋律和词，再找人配上伴奏和弦、做编曲。
摇滚乐的乐曲结构是基于riff（连复段）的，什么是riff？riff是一种强调节奏感的、具有鲜明主题性的器乐段落，以ABAB、ABAC、AAAB等形式反复，大部分摇滚乐的前奏就是该曲的主要riff，不仅如此，很多摇滚乐的整首编曲就是几个riff的排列组合。riff强调的是一个短小的旋律线，往往没有明确的和弦走向（尤其是在金属风格音乐中）。在摇滚乐和电吉他的乐理领域中，riff这个词通常也包括了和弦进行。
流行歌的乐曲结构是基于和弦进行的，注重的是和弦对主旋律的陪衬和烘托作用。流行乐手在为流行歌伴奏时，一般只写出和弦名称或级数，至于具体演奏和弦中的哪些音或者用什么节奏型，则相对没那么重要。这种特点也造成流行歌的编曲部分有很大的灵活性和可替代性。比如一首流行歌经常会由不同的歌手来演绎，保留曲和词，再找人做出不同的编曲，改成不同的风格以迎合不同的场合。
摇滚乐的编曲是歌曲难以分割的有机组成部分，是整个音乐气质和表现力的重要来源，是该乐队风格和个性的体现，因此相对固定。拿metallica举个例子，该如何去把master of puppets只保留曲和词，然后重新编曲？改是当然可以改，但是原曲的精华和表现力也几乎荡然无存。对于那些极端金属而言更是这样，整个曲子的旋律全靠器乐编曲来体现，编曲一改那就等于整首歌都改了。因此摇滚乐的编曲具有更强的不可替代性。
补充一点：我说的编曲对谁来说更重要，并不是指谁的编曲更复杂。举个例子，涅盘的编曲够简单吧？如果《come as you are》这样的歌去掉编曲只留人声旋律，歌曲中大部分的表现力和感染力都没有了。而像周杰伦的《菊花台》这样的歌，编曲的技术含量比涅盘多得多，也复杂得多，但是仅人声旋律还可以保有歌曲的大部分表现力。
(未完待续)